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故事片創作完全手冊（第2版）

為了解決呈獻同義詞的問題，作者（美）米克·胡爾比什-切里耶爾 這樣論述：

這是一本零距離貼近實戰的拍片指南。一部影視作品，往往始於將故事呈獻給世界的原始衝動。但只有故事還遠遠不夠，小到學生作業，大到工業巨制，都是團隊通力合作的產物。劇作、表演、攝影、美術、音樂和剪輯中的每個技術細節，都會決定你的故事能否打動觀眾。 在這本北美影視院校人手一冊的專業教材中，作者將20餘年創作經驗融入教學，針對新手共性問題，通過大量一手案例，詳盡解讀從創意構思、劇本策劃、選角籌備、分鏡設計，到現場拍攝、後期製作直至上映的全流程；梳理常用工具，確立製作標準，闡發變通方案，幫助你理解鏡頭的基本語法，避開典型雷區，成功將腦海中的構想轉化為視聽語言，進而駕馭充滿挑戰的片場。 書中特設“實踐篇

”，聚焦一線創作者面對的真實困境及解決方案，你可以跟大衛林奇、阿巴斯學構思點子，跟羅德里格斯學“零成本”拍出驚豔處女作，跟索德伯格學群像調度，跟庫布裡克學移動攝影，跟王家衛學氣氛營造，跟小津學精緻構圖……將效果拔群的表現技法盡收囊中。還等什麼呢？開始拍吧。 米克·胡爾比什-切里耶爾   畢業于美國西北大學，現任紐約城市大學亨特學院影視傳媒系教授，講授導演、攝影、製片、劇作、剪輯等課程，有二十餘年的教學經驗。曾獲亞瑟·米勒劇作獎、美國國家藝術基金會獎勵，執導的作品曾在安娜堡電影節等美國各地的電影、電視節上獲獎。 引 言 致 謝 第一部分  紙上作業：構思

、劇本、視覺化 第一章  從創意到電影故事 第二章  電影劇本 第三章  視覺語言與電影美學 第四章  組織影片中的空間和時間 第五章  從劇本到視覺計畫 第二部分  影片製作的準備工作 第六章  影片製作的準備 第七章  演職人員 第三部分  製作工具與技巧 第八章  膠片系統  第九章  數位拍攝系統  第十章  鏡頭 第十一章  攝影機的架設 第十二章  曝光的基礎知識 第十三章  膠片與數字拍攝的照明基礎 第十四章  照明與曝光技巧 第十五章  聲音製作 第十六章  聲音製作工具 第十七章  現場聲音技術 第十八章  在拍攝現場！ 第四部分  後期製作的工具與技術 第十九章  後

期製作概觀與工作流程 第二十章  數位剪輯的原理與過程 第二十一章  剪輯的藝術和技術 第二十二章  影片的聲音設計 第二十三章  聲音的剪輯與多音軌製作 第二十四章  最後處理、製作母帶、發行 附錄1  拍攝格式與工作流程表 附錄2  黑白片通用濾鏡 附錄3  校正現場監視器的NTSC彩條 附錄4  進度日程表、預算表與製作管理表及相關協議 附錄5  16mm膠片攝影機景深表   從何處開始你的電影創作之旅？ 電影是一種創作方式，具有很強的技術性。它是一種個人表達的手段，又是一種人類共通的語言。它既要求周全的、有條理的計畫，又要求自然隨性的靈感。它是個人洞見與集體努力

合作的產物。電影是綜合的藝術形式，它的表現力來自劇作、表演、設計、攝影、音樂和剪輯的有機結合。上述諸多方面缺一不可。創作者的選擇，大到創造性的決定，小到實際問題的解決辦法，事無巨細，都會影響呈現在銀幕上的內容和影片從情感上打動觀眾的方式。 本書的中心思想是：在電影創作中的一切活動（構思、技術和物資），都應為電影創作者的創作觀念服務。創作一部影片，始於講故事的衝動和把創意搬上銀幕呈現給世界的意願。接下來，要聚集人才、設備、資源來完成這部電影。不過，如今有一些並不在意電影創作的基礎技術和基本概念的人常說，“電影無關技術，無關規則，全在於故事”。我認為，這種說法有些輕率。 事實是，光有故事是不夠

的，即使故事很不錯，你還必須會把故事講好。拍電影不是簡單的“講一個故事”，關鍵是要“會講故事（storytelling）”，而講故事要靠演員、攝影、燈光、聲音和剪輯。若要練就講故事的本事，首先需要理解電影的基本視覺詞彙、創作過程以及所使用工具（如攝影機、曝光表、剪輯軟體）的功能和表現潛力。 之前，在一個電影創作的大師講座上，傑出的導演阿巴斯·基亞羅斯泰咪（Abbas Kiarostami）曾強調一個論點：一部創意一般而表達出色的影片，勝過一部創意出色而表達拙劣的影片。電影是一門複雜的藝術形式，要做出正確的決定，要成功地表達自己，就必須清楚地理解自己的構想是什麼，想要表達什麼，並且能夠駕馭電影

語言、工具和創作過程來將其表達出來。著名的電影詩人詹姆斯·布勞頓（James Broughton）曾經寫道： 每一部電影都是一次前景未蔔的航行……不瞭解航海之道就闖入遠洋，並非明智之舉。不先探明水道而入港導致擱淺，是既糟糕又尷尬的事。 本書講解了所有必需的基本資訊和技巧，以保證學生掌握“電影表達”所需要具備的在技術上、實務上和創意上的能力。可以把本書看作一幅航海圖，雖然它不一定能提示每一處險境或每一項在航程中會遇到的挑戰，但它能讓你順利出海。 電影創作這個領域如此浩瀚，而且在不停地演進，要用一本書全部涵蓋它，自然是不可能的事。事實上，就是把書店架子上的所有電影書籍彙集起來，也不足以道盡可

講的一切。本書是為電影創作初級班和中級班的學生，或獨立電影創作者而寫。這本教材的目標，是為創作故事片打下一個堅實的基礎，範圍涵蓋從創意到發行的全部內容。書中包括對膠片和數位創作工具的基本且詳細的技術資訊，對電影創作各階段和整體流程有相當透徹的概述。當然，本書還會就“用電影講故事”進行概念層面和美學層面的討論。 電影作為一門合作的藝術 不論如何衡量，“創作電影”這項工作都是一件要求付出巨大的努力、聚精會神而且需要廣博知識的事情。它還要求創作者同時執行多個任務。因此，創作故事片從來都是一門合作的藝術，需要集體的力量和團隊的專長。一個電影創作團隊的人數可以從兩人到幾十人不等（甚至更多），但其基本

的原理是相同的：當團隊的每個成員被允許做出自己的創造性貢獻時，當每個人都對自己的實際工作和技術職責認真負責時，影片就會做得很出色。 本書通篇都會不斷地強調創作團隊創造性和個人職責的重要。同時，本書作者也非常理解並非每一個電影專業的學生都會當或者想當導演。在電影事業裡存在很多有創造性、可實現個人抱負的道路（電影攝影、聲音設計、剪輯、美術指導等），學生可以沿著它們前進。我在書中提供了大量的技術資訊，以及關於創意、文字和美學問題的討論，讓那些導演專業之外的學生能夠深入學習。不論他們從事的工作是寫作、執導、拍攝或者剪輯，本書都會引導每個學生在掌握實際技巧、自信地應用它們的同時，去發展自己的創造力。

21世紀的電影創作和技術 本書寫作的時代，電影創作正經歷巨大的轉型。數位化媒體把電影創作過程中每一個階段的技術和手段都徹底改變了。說到膠片和數位攝影技術，本書從業界和學生那裡尋求了很多新意，他們都在理解和使用這些技術，並且在自由地融會貫通方面，遠比學術界快得多。在膠片與數位視訊之間並沒有衝突，可以完成電影的方式就是好的方式。21世紀的電影創作者明白，膠片或數位視訊各自具有哪些內在美學特徵和哪些創作可能性，並且會取其所長，創作優秀的電影作品。那些國際知名的導演，如阿巴斯·基亞羅斯泰咪、拉爾斯·馮·特里爾（Lars von Trier）、麗蓓嘉·米勒（Rebecca Miller）、史蒂文·索

德伯格（Steven Soderbergh）、斯派克·李（Spike Lee）、邁克爾·溫特博特姆（Michael Winterbottom），以及其他很多人，不論用膠片拍攝還是用數位拍攝，都很得心應手。 現代電影攝影師可以掌握不同技術，而且靈活利用它們的表現力。艾倫·庫拉斯（Ellen Kuras）、羅比·穆勒（Robbie Müller）和安東尼·多德·曼特爾（Anthony Dod Mantle）等先驅者就是如此。剪輯師、錄音師、美術師、聲音設計師的技藝，並沒有因採用膠片或數位格式而有很大不同，這些去問任何一位專業人士就能明白。如何講述故事才是一切！用膠片或數字都無所謂。本書並不厚此薄

彼，也不厚彼薄此。相反，我在本書裡試圖提出一個看法，就是不僅要理解膠片和數位兩種技術的不同，還要理解它們如何融會貫通。還有一點：我經常使用“film”（直譯為“電影”，也可根據語境譯為“膠片”）這個詞，作為“movie”或“motion picture”（兩個單詞都是“電影”的意思）的同義詞，在本書裡，它的意思既可以是通過膠片介質完成的電影，也可以是用數位介質拍攝、通過數位剪輯、數位播映的電影，創作“film”的人就叫電影創作者（filmmaker）。