現代館的問題，透過圖書和論文來找解法和答案更準確安心。 我們找到下列包括價格和評價等資訊懶人包

普普藝術，有故事：100個有梗怪咖&酷藝術，為什麼讀廣告、學設計、玩時尚、做藝術，一定要認識它?

為了解決現代館的問題，作者AndyStewartMackay 這樣論述：

為什麼讀廣告、學設計、 玩時尚、做藝術，一定要認識它？   不只Andy Warhol，普普怪咖如雲 20世紀最吸睛、最多人知道的藝術運動 現代藝術第一課 讀過這本，就像看過一場精心策劃的超級大展 拼貼｜拍立得｜二創｜塗鴉｜獨立音樂｜龐克｜變裝 因他們發揚光大   　　第一本同時教會你── 　　賞析必看名作｜背後軼事＆時代影響｜認識今天仍愛玩的頂尖創意 　　漫威｜電視｜可口可樂｜廣告｜時尚｜電影｜香菸｜汽車｜迪士尼 都是藝術 　　普普藝術＝流行文化史 　　100個當代創意的經典傳奇，送到你眼前   　　▌你不知道的普普藝術家故事 　　▸杜象在七○年代起便熱衷用拍立得大玩變裝性別遊戲。他的最

後一件力作揭露偷窺快感，甚至預現六○年代廣為流行的色情作品，他毫無疑議是指引普普藝術的「真正燈塔」。   　　▸李奇登斯坦七歲大的兒子指著迪士尼漫畫，故意激爸爸：「我打賭你一定畫不了那麼好！」接受兒子戰帖的李奇登斯坦，把唐老鴨化身為普普藝術的理想題材。   　　▸紐約普普藝術的超級經紀人，格爾扎勒用B級片形容普普藝術的起源：「就像一部科幻片裡，彼此不認識的普普藝術家來自城市各個角落，從爛泥巴裡冒出，搖搖晃晃地往前走。」   　　▸勞森伯格和瓊斯不只是成功的事業夥伴，他們為Tiffany做出廣受好評的櫥窗設計，兩人也是親密伴侶，但當年同性戀情（沃荷也不例外）足以讓他們坐牢，因此勞森伯格和瓊斯隱瞞

了六年的戀愛關係。   　　▸當1964年的《生活》雜誌做了李奇登斯坦的國際專刊，封面斗大的問句寫道：「他是美國最糟糕的藝術家嗎？」比推銷員還更推銷員的李奇登斯坦，愛死了這句台詞。   　　▸藝術家歐登柏格1961年自租、自宣傳、自賣，開店賣藝術品。商品都是他在店鋪後方的工作室裡完成的，一賣出就補上新貨，訂價十分親民，價格在20到500美元之間。   　　▌普普藝術，別只知道安迪‧沃荷 　　關於普普藝術，你了解多少？有多少今天玩的二創，其實來自他們？有多少看似荒誕的言論，卻是我們今天生活的現實？有多少軼事＆icon，仍是每一代音樂界、設計圈和藝術界喜好者的必備常識？你看得懂普普藝術嗎？賈斯培的

美國國旗有何諷刺？李奇登斯坦只是單純複製漫畫？安迪‧沃荷的瑪麗蓮夢露版畫，原來藏了深刻暗喻？   　　普普藝術玩世不恭，從1950年代在倫敦出現，熱潮持續至今，從視覺文化、街頭藝術到時尚，從出版、廣告到電影。普普藝術家是第一群完全融入廣告語言的藝術家，熱愛消費文化，普普藝術家發明了一套藝術新定義，把經手的東西都變成搶手形象，從濃湯罐頭到漫畫不一而足。他們宣稱人人都可以成為藝術家，任何東西都能成為藝術。《普普藝術，有故事》由泰德現代館、MoMA和威尼斯古根漢美術館的藝術文化講師撰寫，說了100個有梗的關鍵故事＆經典傳奇，推崇他們創造力的多樣性──包括從倫敦到洛杉磯，從布雷克到對巴斯奇亞的戀物崇拜

，更少不了沃荷的工廠。   　　▌越嘲諷，流行文化越愛他們 　　早在1956年4月，美國的諷剌雜誌《瘋狂》就惡搞了萬寶路香菸在1954年以粗獷的牛仔風格重新打造出極為轟動的品牌形象。萬寶路是數以百萬計抽菸者的愛菸，香菸跟它獨樹一格的品牌塑造方式，毫無例外地被吸納為普普藝術的代表意象。例如普普藝術家湯姆．衛塞爾曼在六○年代後期創作的一系列《嘴唇》畫，後來發展為《吸煙者》系列。這些畫中微開的雙唇叼著香菸，嘴唇塗著鮮紅口紅──直指性聯想。正如廣告界所通曉的事實，有性，就好賣。   　　幾位普普藝術家被德國車廠BMW收攬為獨家「藝術車」系列的彩繪設計師。羅伊．李奇登斯坦最早受邀。大衛．霍克尼在1995

年的設計，看起來像是混合特立獨行的立體主義畫家費爾南．雷捷（Fernand Léger）的抽象畫和他自己較具象、也較可親的約克郡風景。普普藝術在還沒被藝評家正式界定之前，就已經以商業藝術的形式存在了。即使到了八○年代，沃荷仍然聲稱：「我仍然是一個商業藝術家。我一直都是商業藝術家。」   　　▌還有什麼比拍立得更普普 　　遠在iPhone發明之前，安迪．沃荷就知道如何捕捉酷炫。1958年他買了第一台拍立得相機，也很快就以拍攝當時的文化要角，體壇人物、上流社會人物而馳名。很難說出從六○年代末、七○和八○年代有哪個名人沒被沃荷拍過的。他的拍立得快照充分捕捉了現代名流的魅力。沃荷的普普相機也許想變成，

如他本人曾說過的名言：「我想變成一台機器。」被拍者的臉被閃光燈的強光照得慘白，但是在他們眼中、沃荷，這位普普「首席偷窺狂」真正補捉到的──是成名的力量和脆弱性。   　　拍立得相機於1948年在市場推出，它用合理的價錢，在一分鐘之內即完成照片拍攝和沖洗。即刻擁有，還有什麼比拍立得影像更普普？很快，拍立得就成為沃荷的代名詞。他拍攝的名人情侶包括米克．傑格及約翰．藍儂夫婦；作家和藝術家有威廉．柏洛茲（William S. Burroughs），約瑟夫．波依斯（Joseph Beuys）和羅柏．梅普索普（Robert Mapplethorpe）；歌手有黛比哈利，戴安娜羅斯，服裝設計師聖羅蘭、凡賽斯，

當然也少不了法拉佛西，葛莉絲瓊斯，阿諾史瓦辛格，拳王阿里，和瓊考林斯。此外還有一些不像沃荷會拍的對象但卻出現的，包括美國總統吉米．卡特，和伊朗最後一位皇后法拉．黛巴．巴勒維。   　　▌普普之王 or 之神？ 　　1957年，正處於個人生涯和藝術轉型的關口、29歲的商業插畫家安德魯．沃荷拉（Andrew Warhola）──不久就成為家喻戶曉的安迪．沃荷──做了鼻樑矯正術，治療鼻子上的皮膚傷，雖然這項決定毫無疑問是出於讓自己的臉部線條更漂亮的渴望。沃荷拉從來就不喜歡他的鼻子，他在1940年代晚期的學生畫作《挖鼻孔的人》，已充分暗示鼻子的大小和形狀帶給他的焦慮。就像夢露看到自己不喜歡的照片會把臉

塗掉，沃荷更絕，甚至還修改護照上照片，用一枝鋼筆把鼻子收窄，降低髮線。從藝術上來講，沃荷一直著迷於美麗與痛苦、以及變形間的牽連。1960至1962年間，他從《國家詢問報》上刊登的鼻子整型廣告獲得靈感，創作了一系列名為《之前與之後》的圖像。沃荷當時被同事喚作「邋遢安迪」（Raggedy Andy），對自己的鼻子整型成果不滿意，很快便開始有意識塑造自己的公眾人物經典形象，這個形象跟黑框眼鏡，白金色假髮，和寬鬆的衣服密切相連，再加上故作姿態的防衛式言詞、單音節的說話音調。   　　沃荷故作挑釁地宣稱：「我愛好萊塢……每個人都被雕塑過。我想成為被雕塑的人。」沃荷作為美國神話代表人物──從一個勉強稱得上

的「正常」人，變為極度突出──他本身就是一個觀察者，躲在一張面具之後，這張面具成了他最偉大的創作，很快，也變成了普普藝術的同義詞。   　　▌三大巨星聯手，締造超級能見度 　　紐約馳名百貨公司「邦維．泰勒」曾在三○年代請來馬格利特和達利等藝術家的作品來裝飾櫥窗。1951年，百貨顧用了兩位新人設計師來負責櫥窗：23歲的插畫家安迪．沃荷和26歲的美術系學生羅伯特．勞森伯格。三年後，從韓戰退役的軍人賈斯培．瓊斯加入他們的櫥窗團隊，沒過多久，瓊斯就變成勞森伯格的浪漫情人。   　　勞森伯格和瓊斯成為成功的商業合作夥伴，為Tiffany & Co.等公司做出新穎且廣受好評的櫥窗設計。他們創立客製

化的廣告佈展公司。沃荷沒有傳統的英俊，見光死的生活方式也讓他陷入焦慮，加上對自己身體的不自在讓問題變得更加嚴重，他用刻薄言論挖苦別人好自我防衛。不過沃荷顯然很尊重勞森伯格，他在1962年創作的一系列傳記式絹印肖像畫，把勞森伯格題名為《現在讓我們讚揚名人》。在三人共事的十年間，二十世紀最重要的藝術家聯手合作，締造了非凡的成就。   　　▌文化輸出，賣一個美國夢 　　「美國夢」由歷史學家詹姆斯．特魯斯洛．亞當斯在大蕭條時期創造的，意圖傳達一種理想的願景，即「每個人都應該過更美好，更富足，更圓滿的生活」。普普藝術，正是這種想法的一種親民的、大眾市場的表達方式。1940和1950年代反覆出現的消費主題

──獨棟的社區住宅、大型廣告牌、加工食品、「白色家電」（電冰箱、洗衣機、烤箱等），以及新美國夢最嚮往的汽車──都是普普藝術的核心意象。安迪．沃荷等藝術家把這種標準化的大量生產視為正面的發展。對他來說，甚至喝可口可樂──從好萊塢明星和工廠工人都喜歡──是一種儀式性的國民「權利」，一種日常體驗的平等，有史以來獨一無二的成就。他宣稱：「只要一想到普普，你就不會再用同一套眼光來看美國了。」   　　▌看普普藝術家漢彌爾頓，如何點評普普藝術： 　　熱門（為大眾所設計）Popular (designed for a mass audience),  　　瞬間（短期解決方案）Transient (short

term solution), 　　可有可無（容易被遺忘）Expendable (easily forgotten),  　　低成本 Low cost,  　　大量生產 Mass produced,  　　年輕（針對年輕人的）Young (aimed at youth),  　　機智 Witty,  　　性感 Sexy,  　　有花招的 Gimmicky,  　　魅惑人心的 Glamorous,  　　能賺大錢的 Big business

現代館進入發燒排行的影片

城市美術館引導文化觀光：以臺南市美術館為例

為了解決現代館的問題，作者陳怡杏 這樣論述：

全球許多城市都擁有具獨特魅力的美術館。美術館以收藏藝術創作為主，肩負展覽、典藏、研究、教育等功能，不僅被視為藝術文化的推手，更成為形塑城市文化最好的窗口。綜觀歐美各國，美術館引導城市文化觀光有許多成功案例，臺灣近年也紛紛成立城市美術館，期盼以美術館帶動文化觀光，促進城市整體發展。本研究由文化觀光角度切入，探討城市美術館與城市之間的連結。研究首先梳理臺灣美術館發展脈絡，進行文化觀光文獻整理，探討美術館於城市行銷的角色，再經由日本、英國美術館等案例，發掘國外美術館帶動城市文化觀光之背景與成果。臺南是臺灣最早開發的城市，也是臺灣歷史文化發源地。為了推動在地藝術發展，臺南 2010年升格為直轄市後，

積極籌建臺南市美術館 (南美館)，期盼用藝術帶動城市，推廣文化觀光。南美館 2019年1月正式開館，因成立不久，相關研究較少，目前學術論文多著重於建築及展覽觀眾研究方面。本研究以南美館為研究個案進行深入了解，透過次級資料分析及半結構式深度訪談蒐集南美館與文化觀光相關實務資料，訪談對象為臺南市政府與文化觀光相關局處、臺南市在地里長、觀光客群及臺南在地市民。為探討南美館與臺南文化觀光的互動與連結，本研究從四種不同面向切入，包含地理位置、在地文化、族群與國際關係。綜合研究後發現，臺南本身是個文化觀光城市，文化與觀光能量強大。南美館若能發揮所長，將可引導臺南文化觀光走向更精緻化，更深入在地紋理的發展方

向，精煉出臺南特有的文化特色及藝術美學。從建館到營運經營，臺南市府及民眾挹注豐沛的資源，讓南美館得以展現今日風華，開館第兩年就突破兩百萬參觀人次。邁向開館第四年 ( 2022年 )，南美館除持續協助臺南文化觀光發展之外，不妨思索如何更加深化在地經營，結合府城特有文化以凝聚市民共識。如此一來，南美館不僅是一間設址於臺南的美術館，而是能與城市結合，獲得在地認同，吸引外地觀光客來訪，成為真正屬於臺南的城市美術館。

錄像藝術啟示錄

為了解決現代館的問題，作者陳永賢 這樣論述：

追溯錄像藝術的起源、發展、風格與類型，介紹當今具代表性的十位國際錄像藝術家深入淺出、圖文對照，為中文讀者了解錄像藝術發展之最佳途徑。 　　錄像藝術從1960年代至今，因拍攝器材的生產，使錄像媒材很快地被藝術家認定是有意義的工具，且逐漸融入他們的獨立影像創作。歷經數十年的錄像藝術，即是生活與科技的一體兩面，早期創作從跨越電視媒材到實驗性的嘗試，陸續開發出與身體、觀念、紀錄、電影、電腦、互動、裝置等相互結合的概念，讓它從多元藝術流派中冒出新芽而茁壯。錄像藝術在科技不斷創新、人文觀念輾轉革新的環境中，使它在當代藝術的座標中，逐漸佔據重要地位。 　　《錄像藝術啟示錄》從錄像藝術的發展歷史、創作風格

與類型分析為基礎，繼而敘及當今具有重要影響力的藝術家，包括白南準（Nam June Paik）、比爾．維歐拉（Bill Viola）、蓋瑞．希爾（Gary Hill）、湯尼．奧斯勒（Tony Oursler）、席琳．奈沙特（Shirin Neshat）、馬克．渥林格（Mark Wallinger）、山姆．泰勒-伍德（Sam Taylor-Wood）、馬修．巴尼（Matthew Barney）、史密斯和史都華德（Smith/Stewart）、克里斯．康寧漢（Chris Cunningham）等人的創作與觀念。本書從錄像藝術之父到錄像藝術大師菁華，串連這些深具指標意義的創作內涵與精神啟示，進而詮釋

科技時代的藝術風格。本書榮獲財團法人國家文化藝術基金會贊助。 作者簡介 陳永賢 　　1965年出生於台灣，國立台北藝術大學美術系學士、美術史碩士，英國布萊頓大學藝術博士。創作主軸以身體行為與新媒體藝術為方向，曾舉辦個展包括：「身體之歌」、「人層迴圈」、「他者之他」。作品受邀參加亞洲、美洲、歐洲各地美術館之展覽四十餘次；2009獲選為美國劇場大師Robert Wilson的Watermill Center駐村藝術家；作品獲加拿大楓葉新人獎、英國貝克獎。 　　他也身兼獨立策展人，策展經歷包括：「幻象之丘—台灣新媒體藝術展」(SCOPE邁阿密，鳳甲美術館)、「第一屆台灣國際錄像藝術展」(鳳甲美術館)

、「第二屆台灣國際錄像藝術展」(鳳甲美術館、台藝大)、「尋找馬緯度—新媒體藝術展」( MOT ARTS)、「動漫快感—數位媒體藝術展」(陽明大學藝文中心）、「夜視．台北—國際錄像藝術展」誠品藝文空間)、「Random-ize Film & Video Art Festival」(倫敦）。在寫作方面，論述以當代藝術評論、新媒體藝術為研究領域，發表學術論文十餘篇、論述九十餘篇；出版著作《台灣插畫圖像美學》、《身體之歌》、《他者之他》，主編《當代科技與錄像藝術》、《幻象之丘—新媒體藝術》專書；現為國立台灣大學多媒體動畫藝術系所助理教授。

從《道德經》看James Turrell光藝術創作

為了解決現代館的問題，作者賴韋伶 這樣論述：

老子《道德經》僅五千餘言，然其「自然」、「無為」、「虛靜」的哲學觀與以「道」為中心的宇宙觀深深地影響後世哲學與美學思想的發展，站在巨人的肩膀上，學術領域中已有許多以老子思想為出發點所做的研究，足見老子思想當中蘊含的哲思，其所能觸及與運用範圍之廣泛。James Turrell為1943年出生並成長於美國的藝術家，1965年取得感知心理學學士學位，藝術作品中以靈活運用光線挑戰人類視覺感知而聞名，其作品中獨有的寧靜氛圍與老子思想中「自然」、「虛靜」的哲思頗有異曲同工之妙，筆者欲嘗試以《道德經》的哲學觀解析James Turrell的光藝術作品，以東方哲思的角度欣賞西方的藝術創作，並從中比較兩者的異

同，期待兩者在不同的文化背景碰撞之中產生新的見解。本論文將於第一章表明研究背景及未來計畫研究大綱；第二章回顧道德經的中心思想及其美學觀念應用；第三章從應用、感受和儀式性的角度梳理光在藝術中發展脈絡；第四章詳細描述James Turrell的生平與創作風格；第五章則依據前述文獻資訊，以老子思想「自然」、「虛靜」的角度賞析James Turrell作品所帶給觀者的美感經驗，並解釋外在之光與內在之光的統合過程；第六章則為總結。本研究期待藉由探討James Turrell與《道德經》之間的相通之處，延伸老子思想蘊含美學的應用範圍，並提供欣賞光藝術創作不同的思考觀點。