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誰抄誰？西洋名畫的對照、剖析與探源（手工拉頁精裝）

為了解決迪卡儂折疊桌的問題，作者卡洛琳‧拉霍許 這樣論述：

橫跨數世紀，重現藝術大師的靈感與對話！ 　　法國藝術類暢銷作家Caroline Larroche與 　　法國國立美術館聯合會合作出版 　　法蘭西藝術院院士Patrick de Carolis專文推薦！ 　　不必強記流派，不必熟知年代， 　　從畫與畫的對照中自然搞懂西洋藝術史！ 　　【全書精美手工裝幀】以開門雙拉頁、浮貼折疊海報等手法，使畫作大尺寸呈現，方便讀者對照！ 　　藝術大師的創作靈感從哪來？ 　　偉大如米開朗基羅，素描的靈感來源仍得自喬托的溼壁畫； 　　如果沒有塞尚，畢卡索就畫不出《亞維儂的少女》； 　　以肖像畫見長的提香，作品中依然可見百年前范艾克創作的影子…… 　　繪畫史上

的名作，為何總有似曾相識之處？到底是誰抄誰？ 　　梵谷從不避諱對米勒的崇拜，甚至多次模仿米勒畫作； 　　早在達文西《最後的晚餐》之前好幾十年，就已有畫家利用透視法創作了同一主題； 　　新古典主義大師安格爾，下筆時其實不斷「參考」拉斐爾的傑作…… 　　藝術創作就是重作，就是改造、致敬、扭曲、批判或諧仿前作？ 　　藝術本身就是不斷的「形式再造」，以形式替換形式， 　　也就是傳承、再現、反動、違抗前作並啟發新作， 　　而整部藝術史，就是持續更新前人的作品所寫成的。 　　然而，如果題材或技巧參照了別人的作品，這樣的創作還具有獨創性嗎？ 　　藝術家真能完全擺脫前輩的影響，與他人之間無所關聯嗎？ 　

　　作者針對這些問題作了廣博、感性又不失幽默的調查， 　　從數百件藝術作品當中抽絲剝繭， 　　帶領我們穿梭於不同年代，欣賞這條美的道路。 　　全書分成46個篇章，藉由200多幅名畫，以前所未見的角度切入西洋藝術史。 　　取「影響之下的繪畫」為主軸， 　　橫跨15至20世紀的相同主題畫作「之前／之後」對照中， 　　聽見畫家透過繪畫進行引人入勝的對話，觀察到作品間令人稱奇的血緣關係， 　　使讀者能自在優遊於這些充滿了互動、對照、共鳴或衝突的藝術作品之中，自然而然理解藝術史的流變， 　　輕鬆進入西洋繪畫的繽紛世界。 本書特色 　　◆精美手工裝幀，以開門雙拉頁、浮貼折疊海報等手法，讓畫作擺脫書本限

制，大尺寸呈現！ 　　◆專業評析！法國國立美術館聯合會合作出版，法蘭西藝術院院士Patrick de Carolis專文推薦！ 　　◆跨時代同主題作品並陳對照，一眼看懂傳承系譜脈絡。 　　◆不必理會年代順序，想從哪篇開始讀就從哪篇開始，輕鬆進入西洋藝術世界！ 　　◆搞不清楚風格流派沒關係！藉由作者的引導，不知不覺學會觀察構圖、用色、筆觸，也能一眼看懂歷史、肖像、風景或靜物等繪畫類型的流變，進而通盤理解西洋藝術史的演進！ 特色裝幀 　　三件作品對照：將一幅大師創作與其他兩幅相關作品並列，讓人一眼看懂傳承的系譜脈絡。 　　雙拉頁作品組：不論是自畫像、維納斯、靜物還是聖母子像，完整呈現同主題畫作

的演變。 　　折疊海報裝幀：將分析主題中的大師作品以海報大小呈現，能清楚看到畫作細節。 名人推薦 　　楊尹瑄（成功大學歷史系助理教授）　專業審訂 　　王雅倫（成功大學藝術所副教授）、邱建一（藝術史學者）、高千惠（台南藝大藝術創作理論博士班客座教授）、陳貺怡（台藝大美術系系主任）、黃才郎（國立台灣美術館館長）、廖仁義（北藝大博物館研究所教授）、鄭治桂（台藝大美術系兼任助理教授）、謝哲青（藝術史學者、節目主持人）、謝佩霓（高雄市立美術館館長）　誠摯推薦（依姓名筆劃順序排列） 作者簡介     卡洛琳．拉霍許 Caroline Larroche 　　藝術史學者，法國藝術類暢銷作家，專長為

十九世紀、二十世紀西洋藝術史。曾任奧塞美術館研究員，之後轉法國國立美術館聯合會，負責出版部門，同時間也為《美術雜誌》等媒體和畫廊撰寫藝術評論文章。多年後辭去職務專事寫作，與藝術愛好者分享她對影像及文字的品味，不只為成人而寫，也為孩子而寫，著有多本膾炙人口的藝術相關著作。 審訂者簡介     楊尹瑄 　　法國巴黎南特爾大學藝術史博士，國立成功大學歷史系助理教授，專長為西洋近現代藝術史、十九世紀法國藝術史與藝評、諷刺畫研究。 譯者簡介 劉美安 　　法國司特拉斯堡大學戲劇及造型藝術碩士，現居法國蔚藍海岸。 序　派崔克．德卡洛利 前言　誰抄誰？ 最後的晚餐 — 卡斯塔紐

／達文西／沃荷 穿棉襖袖的男子 — 范艾克／提香／林布蘭 聖西克斯特的聖母 — 法蘭契斯卡／拉斐爾／達利 在慈祥的手勢下（雙拉頁） 美惠三女神 — 拉斐爾／克拉納赫／科林特 莎樂美接受施洗者約翰的頭 — 范德魏登／卡拉瓦喬／莫侯 教宗英諾十世肖像 — 提香／委拉斯蓋茲／培根 玩牌的人 — 卡拉瓦喬／勒南兄弟／塞尚 屠宰的牛 — 博伊克萊爾／林布蘭／蘇丁（海報） 薩賓婦女 — 普桑／大衛／畢卡索 「記住，你有一天會死」（雙拉頁） 拿破崙一世全身像 — 里戈／傑哈／恩斯特 東方宮女 — 拉斐爾／安格爾／黑斯 梅杜薩之筏 — 格羅／傑利柯／德拉克洛瓦 國會大火 — 洛漢／透納／莫內 寂靜的生命（雙拉

頁） 奧菲莉亞 — 德拉克洛瓦／米雷／魯東 帕拉瓦的海邊 — 弗列德里希／庫爾貝／惠斯勒 畫家的工作室 — 布瓦伊／庫爾貝／方丹–拉圖爾 斯朵尼亞．馮波克 — 羅曼／伯恩–瓊斯／威亞爾 陽台 — 哥雅／馬內／馬格利特（海報） 阿爾及爾女人 — 德拉克洛瓦／雷諾瓦／馬諦斯 歐洲大橋 — 希斯里／卡玉博特／雷捷 聖拉薩車站 — 透納／莫內／瓦爾登 「看著我」（雙拉頁） 被梳髮的裸女 — 林布蘭／竇加／巴爾蒂斯 金色之島 — 秀拉／克羅斯／托羅尼 亞維儂的少女 — 塞尚／畢卡索／馬諦斯 情欲維納斯（雙拉頁） 餐桌 — 夏丹／塞尚／布拉克 大都會 — 薄丘尼／格羅茲／杜布菲 白底上的白方塊 — 范德魏

登／馬列維基／莫瑞雷 梅杜莎頭 — 馬諦斯／雅夫楞斯基／畢卡索 金合歡畫室 — 馬諦斯／波納爾／維亞拉 夜鷹 — 梵谷／霍普／莫諾里 各種姿態的貓（雙拉頁） 無題 — 塞律西耶／史提爾／羅斯科 大教堂 — 莫內／波洛克／李奇登斯坦 藍色裸體二號 — 塞尚／馬諦斯／漢泰 在可愛的藍色之中 — 莫內／法蘭西斯／漢斯 侍女 — 委拉斯蓋茲／畢卡索／布蘭–維卡 錯誤的開始 — 馬格利特／瓊斯／布達埃爾 一個偶像，千變蒙娜麗莎（雙拉頁） 草地上的午餐 — 馬內／畢卡索／賈蓋 德爾塔．約塔 — 蒙德里安／路易斯／紐曼 裝上塑膠布的木框 — 畢卡比亞／德哲茲／坎 序 法蘭西藝術院院士 派崔克．德卡洛利（

Patrick de Carols） 　　誰沒在某畫展裡聽過這樣的耳語：「你不覺得這幅畫有點像……」或者「這幅讓我聯想起……」。說話的人壓低聲線，生怕被看笑話，外行人居然也敢這樣高聲比較大師的作品，真是讓人太尷尬了。然而這樣的血緣關係確實是存在的。米開朗基羅年輕時的素描就得自喬托溼壁畫的靈感；林布蘭認為臨摹是學生最根本的訓練；至於華鐸則將魯本斯捍衛的美學經典據為己用。所以對我來說，這個議題一點也不離經叛道，雖然要承認即使是天才也會從過去的作品汲取靈感，有時候實在有點困難。 　　到底誰抄誰？這個問題相當擾人，但不允許馬虎胡混過去。如果題材或技巧參照了別的作品，我們還能說它具有獨創性嗎？創造是

否可以不需要和他人作品有任何關聯？藝術家能擺脫前輩的影響嗎？他們是不是都會受到影響？卡洛琳．拉霍許針對這些問題作了廣博、感性又不失幽默的調查，這麼做並不是要撻伐藝術界的抄襲風，正好相反，她對於取材或模仿一點也不反對。她從數百個作品中抽絲剝繭，分析之間的相關性，一個時代接一個時代，一個世紀接一個世紀，像阿麗雅德妮用絲線指引提修斯走出迷宮一樣，帶領讀者欣賞這條美的道路。 　　藝術作品之間的互動正是使藝術資產更豐富的元素，尤其是解讀繪畫之間關連性的這個傾向從數年前開始愈來愈明顯：米勒和梵谷、馬內和維拉斯蓋茲、馬諦斯和畢卡索……還有更多其他人，只要回顧一下數年前那幾場精彩的展覽（指1998、2002

年在奧塞美術館和大皇宮的三場展覽），就可以明白這些藝術大師之間的交流有多麼重要。一九一八年藝評家阿波里奈爾（Gillaume Apollonaire）用這段話描述畢卡索的畫：「這充滿現代感的美學經由竇加及安格爾與最上乘的藝術傳統相連結……」一直以來，無論是在法蘭德斯畫派與義大利文藝復興大師之間、浪漫派與印象派之間，或是立體主義與超現實主義之間，這種類比從來沒有間斷過。 　　這本書幫助我們優遊於不同時代，找出畫家之間的相似性、衝突點甚至是爭議之處。可以像梵谷一樣，公開從米勒的作品中汲取靈感，他寫道：「我愈是思考，愈覺得重現米勒畫過的東西有其道理……不是純粹的複製……比較像是把它轉換成另外一種語

言──將黑白調中明暗對比的印象轉換成色彩的語言。」也可以如杜象、安迪．沃荷、巴斯奇亞一樣標新立異，拿著名的蒙娜麗莎開玩笑，轉換成可笑的複製品！ 　　繪畫手法隨著時間演變，而傳承則延續下來。到底誰抄了誰？就某個角度來說，所有人都抄了！有時創造出更好的作品，有時卻也更糟。不過若是抄襲可以讓藝術生生不息、繼續演進的話，那有什麼關係呢？卡洛琳．拉霍許暗示的這個永遠處於進行式的「再造」本身，正是豐富藝術的因子，它在不削減靈感的情況下滋潤創作。傳說盧西安．弗洛伊德（Lucian Freud）在晚年曾經出現在倫敦的拍賣會場上，只為了要欣賞哥雅的素描作品，他長久凝視著，是不是也在尋找最後的靈感呢？ 前言 

誰抄誰？ 開宗明義，這本書講的並不是所有年輕畫家或美術學院學生在學藝過程中，為了訓練觀察力、熟悉線條與色彩技巧所作的必要練習：臨摹大師作品這回事。這本書的主軸是連繫不同時代、不同世紀畫作之間的傳承。雖然西方藝術史從文藝復興時代開始就不斷革新形式，持續演進，且這些史上有名的革新多在當時造成轟動與醜聞，但是藝術史其實最主要是透過各時代與各種風格不斷更新前者而寫成的。法國作家馬勒侯（André Malraux, 1901-1976）在《沉默之聲》（Les Voix du silence, 1951）中也說：「藝術以形式替換形式」；這個由既存基準衍生而出、不間斷的形式「再造」，可說就是藝術本身。 如同

羅馬人消化吸收希臘藝術，文藝復興時期的藝術家也將古代藝術當作養分，以一種全新的方式來觀察和說明這個現實世界──一個他們帶著對所有領域求知的渴望、自由的精神與對完美的追求，而參與其中的新世界。從那個時候開始，藝術家就沒有停過，追隨著席捲全歐洲的前輩大師，在這個「未來願景」中留下腳印，不斷打造出屬於自己的藝術語彙。 對所有創作者來說，創作就是重作，重點是要跟上時代腳步，又或者，借用哲學家梅洛龐蒂（Maurice Merleau-Ponty, 1908-1961）在《眼與心》（L’œil et l’Esprit, 1960）裡的說法：「如果沒有一幅畫可以窮盡所謂繪畫，甚至沒有任何一幅作品能說得上是真

正的完成，那麼每件創作都是在改造、頌揚、重新創造與啟發所有其他作品。如果創作並非一種完成，那麼不只是因為它跟一切事物一樣會成為過去，也是因為創作就是不斷的新生。」 本書採用的方式，不是在二幅，而是三幅作品之間建立關係：以一幅大師作品為中心的某種「之前／之後」（這裡提及的作品以繪畫為主，不談攝影及裝置藝術，雖然從一九六○到一九七○年代之後的藝術家常常喜歡選擇這兩種表達形式，用來改造歷史上的重要畫作）。這些「三件式」作品，絕大部分精選自法國及國外各大美術館館藏，它們之間的血緣關係有幾項選定基準：包括表達的主題、選用的形式（構圖、空間及光線的處理、色彩、筆觸、線條等），以及類型的概念（歷史畫、肖像畫

、風俗畫、風景畫、靜物畫）。