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歐文紋飾經典╳現代創作實務套書(共三冊)：紋飾法則+中國紋飾法則+圖解圖樣設計

為了解決ornament音樂的問題，作者OwenJones 這樣論述：

從東、西方古今藝術品中錘煉而成的創作原則 裝飾紋樣與印花設計領域 必不可少的理論和實務著作   1856年於倫敦出版問世的《紋飾法則》（The Grammar of Ornament）被譽為英國美術工藝運動先鋒（Arts & Crafts Movement）鉅作。本書收錄一百幅精美的彩色圖版，旨在引領讀者深入觀摩東西方幾千年文化底蘊下最具代表性的裝飾藝術（decorative art）典範與應用方法。作者費盡苦心搜羅，橫跨廣袤土地與時間長河所梳理出的設計進程，為後世打通一條清晰的設計思路。 爾後，瓊斯終其一生耕耘裝飾藝術之研究。他於1867 年親筆將晚清因戰亂流傳至西方的中國工藝

珍藏繪製成平面圖版，並以前作中著名的〈建築暨裝飾的37條造形與色彩基本原則〉逐一分析中國傳統紋飾的設計方法，集結成《中國紋飾法則》（Examples of Chinese Ornament: Selected from Objects in the South Kensington Museum and Other Collections）。書中揭示中國紋飾的元素與構圖，經由中國人獨樹一格的配色，展現優雅恬靜、具皇家風采，又或者奇特而帶有異國情調的多重面貌，重塑了當時西方對中國的既有審美觀。 本書做為裝飾藝術史不朽巨著《紋飾法則》的延續，在歷時十年後，與前作攜手交織出耐人尋味的風格脈絡。作者精

闢的見解，對十九世紀下半葉工藝界，乃至於現代工業設計發展，皆有不可抹滅的重要價值。 《Pattern Design 圖解圖樣設計》為日本設計家藤田伸（Fujita Shin）多年的研究成果。作者在這本向歐文‧瓊斯、拉西涅（Auguste Racinet）、艾雪（M.C. Escher）等大家致敬的技法教學書中，歸納出17種平面對稱群組的國際共通標記（包括平移、鏡射、旋轉、分割的變化式）。透過重複和拼合手法拆解圖樣規律，引發讀者一步步嘗試的樂趣、進而重組出極具現代感的迷人作品。  此一主題珍稀的套書之中，單本有其無與倫比的個性、交互對照又相得益彰。在如今人人都能取得生產工具且科技日新月異的趨勢下

，如能融會貫通書中所提出的創作概念與具體方法，設計者更能奠定自身在市場中不斷推陳出新、屹立不搖的根本之道。   *** 單書介紹 *** 《紋飾法則：奠定當代設計思維的37條造型與色彩基本原則》 英國美術工藝運動 先鋒鉅作 150 年經典重現——重洗時代美學、震撼設計名家觀念 19 種世界紋飾風格——橫亙東西方歷史長河的文物大觀 100 幀彩色圖版——透視令人嘆為觀止的精湛細節 【專業推薦】 國立成功大學建築系 吳光庭教授 國立台灣工藝研究發展中心主任 許耿修 【專文導讀】 國立台灣大學藝術史研究所 施靜菲教授 英國紋飾研究學者 查捷克（Iain Zaczek） 1856年於倫敦初版的《紋

飾法則》是史上第一本蒐羅東西方不同地域、不同時代各民族設計方法的紋飾集成。英國美術工藝運動（Arts & Crafts Movement）先鋒、水晶宮設計總監歐文瓊斯為了端正當代設計中脈絡紊亂的浮濫抄襲風氣，於本書開宗明義提出建築暨裝飾藝術的37條造形與色彩基本原則，分別探討造形元素的協調、構圖和適當比例，以及如何從色彩的平衡和對比中找出強化造形的用色方法，倡導從過往作品中研擬恰當的創作之道——開創了現代設計和色彩理論之先河，影響遍及十九世紀以降的設計名家如工藝運動領袖莫里斯（William Morris）、建築師萊特（Frank Lloyd Wright）、蘇利文（Louis Sul

livan）、柯比意（Le Corbusier）等人，立論一百五十年至今屹立不搖。 書中大量圖文來自瓊斯的異國踏查及其對大量古籍專著的爬梳，他從包羅萬象的歷史文物中粹選出經典之作，編撰成19篇風格獨特的世界紋飾介紹，不僅詳述其整體特色和演繹手法，亦歸納箇中法則並給予優劣評價，藉由100幀匠心獨具的彩色圖版，串起一段清晰具體的裝飾設計史，使讀者更宛如踏上全世界文化遺產的深度之旅。 《中國紋飾法則：從西方當代造形與色彩基本原則，解析中國經典裝飾工藝的設計方法》 世界裝飾經典《紋飾法則》不可或缺的精彩續作 百幅彩色圖版──取材南肯辛頓博物館、放山居珍貴收藏 文字註解說明──涵蓋工匠技法與樣式布

局的客觀評比 基本構圖系統 ── 從造形與配色中拆解風格的規律與奇想 東西交融跡證── 細數羅馬、伊斯蘭、印度與波斯圖像特徵 【專業推薦】 國立台灣大學戲劇學系專任教授 王怡美 印花樂美感生活股份有限公司創意總監 沈奕妤 歐文瓊斯，維多利亞時代最具影響力的英國建築師、設計理論家；為了尋找更具有代表性的當代建築風格，以及端正建築設計的浮濫抄襲問題，啟程考察古典文明所在地，進行廣泛且細膩的裝飾研究，備受西方設計名家如莫里斯、德雷瑟、柯比意、萊特等人所推崇。1867年，他親筆將晚清因戰亂流傳至西方的中國工藝珍藏繪製成平面圖版，再以其著名的〈建築暨裝飾的37條造形與色彩基本原則〉逐一審視。書中揭示

中國紋飾的元素與構圖，經由中國人獨樹一格的配色，展現優雅恬靜、具皇家風采，又或者奇特而帶有異國情調的多重面貌，重塑了當時西方對中國的既有審美觀。 本書做為裝飾藝術史不朽巨著《紋飾法則》的延續，在歷時十年後，與前作兩相對照，鋪陳出耐人尋味的風格脈絡。而瓊斯精闢獨到的設計見解，對十九世紀下半葉英國美術工藝運動，乃至於現代工業設計，更有著不可抹滅的地位與價值。 《Pattern Design圖解圖樣設計》 迷戀古今壁畫、織品、鋪磚中的裝飾圖樣 解開版畫藝術家艾雪、數學家潘洛斯的「重複性」技法 【專文導讀】 Shark Lin／PanSci泛科學專欄作者、數學藝術創作者   【專業推薦】 印花

樂藝術工作室設計總監　沈奕妤 deLightful time美好‧時光品牌總監　陳德禧 實踐大學服裝設計學系副教授　黃莉婷 ㄇㄞˋ點子靈感創意誌編輯群　顏伯文等 「最初只是簡單的圖案，透過重複，完成後竟是如此瑰麗絢爛，讓人無法別開視線。」 打開世界藝術史，裝飾圖樣必然是人類文明史上的璀璨篇章。無需華麗的構成要件，單純的圖案即能有秩序地重複成美麗的裝飾圖樣，有如精密宇宙，深深吸引藝術家與科學家的投入，最為人稱道的便是艾雪（M.C. Escher）和潘洛斯（Roger Penrose），留下許多豐富珍貴的作品。本書作者長期研究、創作、教學裝飾圖樣，以簡單的幾何學知識為線索，拆解重複性圖樣成形的軌

跡，如何造型、鑲嵌、平鋪成面，一步步引領讀者發現裝飾圖樣的秩序與萬千變化。 打開本書，你將學會【圖樣創作的三大法則】    移動規則與重複手法    艾雪鋪磚法的拼合規則    潘洛斯鋪磚法的魅力世界

ornament音樂進入發燒排行的影片

涂維政的作品研究： 以關係、參與和美學的核心概念論述

為了解決ornament音樂的問題，作者蔡旻芝 這樣論述：

法國藝評家布西歐（Nicolas Bourriaud）在1998年提出「關係美學」（Relational Aesthetics）概念，歸納具有交流互動和講求關係性特質的藝術創作。不同於許多當代藝術家強調互動場域與經驗過程的美學形式表現，涂維政從「關係雕塑」的思考出發，試圖找出物質性「雕塑」與抽象性「關係」兩者結合後的各種可能性。他運用民眾集體參與的力量，將人與人、事、物、環境或歷史文化等各種生活中隱而不見、有形和無形的連結化為其藝術表述。據此，本研究旨在探討涂維政如何藉由操作民眾參與藝術創作的方式，帶出作品中的關係性。並以當代藝術觀念闡述的參與式和關係美學概念做為研究論述之基礎，透過深度訪談

、文獻資料與現地觀察，探討其創作表現在臺灣當代藝術的重要性與定位。本研究共分五章，第一章緒論概述研究主旨與操作過程。第二章綜整國內外學者對參與式藝術和關係性的觀點，從不同角度探討其意義與創作型態，及涂維政的相關評論文獻，做為剖析其作品之論點依據。第三章主要論述涂維政生命歷程與創作脈絡，從他作品的核心關懷劃分三個主要創作階段。第四章剖析其焦點作品，從社會參與式藝術與關係美學的脈絡出發，進一步檢視他運用民眾參與手法的藝術創作。第五章歸納前述研究論述，試提出涂維政在臺灣當代藝術的定位之個人觀察。本研究結果認為涂維政創作的跨類別特質，使他在民眾參與的操作手法與核心概念上，無法歸屬當前任一既有型態類別，

但他藉著將民眾帶進藝術創作的手段，實踐創造性整合、合作性相遇和互為主體的概念，可用墨西哥裔學者藝術家埃爾格拉（Pablo Helguera）提出的「創意式參與」（creative participation）觀念作為詮釋指涉。研究發現，涂維政早期模擬藝術體制的操作，以及博物館的展示機制，這番被他詮釋為「自我體制化」的行為，如今已內化為創作核心。即使是在看重大眾共創的作品裡，他也同樣用博物館的概念去展示和收藏民眾參與的結果，讓藝術創作成為公民溝通與教育的媒介，實踐「博物館」的重要功能。再者，從國際展覽和大型藝術節慶的頻繁邀約可看出涂維政受到的肯定，他的多元創作和深度思考模式在臺灣當代藝術脈絡下呈

現其相當的價值。

春之祭：噪音、芭蕾與現代主義的開端

為了解決ornament音樂的問題，作者（英）吉蓮·摩爾 這樣論述：

1913年5月29日，在法國巴黎的香榭麗舍劇院，一出名叫《春之祭》的芭蕾舞劇即將上演。可誰都沒有想到，當舞臺的幕布拉開、演員開始表演後，現場觀眾開始騷動，口哨、噓聲、謾駡不絕於耳，最終讓這次首演成為20世紀文化史上Z著名的事件之一……斯特拉文斯基的這部作品可以稱得上“驚世駭俗”，以形式、節奏、旋律等方面的創新，奠定了它在音樂史上獨一無二的地位。   在本書中，英國資深音樂學者吉蓮·摩爾，就將帶領我們回顧這部震驚音樂界的作品誕生的文化背景、創作過程，及其對20世紀流行文化的種種影響——從迪士尼動畫，到影史經典《驚魂記》《人猿星球》《大白鯊》，再到爵士樂、搖滾樂、現代舞等等。瞭解《春之祭》之後，你

將再也無法忘掉它。 引言 1伊戈爾·斯特拉文斯基是誰？ 2俄羅斯靈魂的重塑 3從夢境到首演：《春之祭》的製作 4火熱的五月一夜 5《春之祭》的音樂：創新之處在哪裡？ 6循序漸進的儀式：聆聽指南 7餘震 《春之祭》的一些錄音 致謝 注釋 圖片來源 譯名對照表 有關伊戈爾·斯特拉文斯基最喜聞樂見的一個趣聞，是甘迺迪總統和夫人于1962年6月18日在白宮主持慶祝他八十歲誕辰的晚宴。那天晚上的活動相當尷尬、正式。儘管為了讓斯特拉文斯基更加放鬆而邀請了他的幾位朋友，但大多數客人對斯特拉文斯基的音樂幾乎一無所知。作曲家兼指揮家倫納德·伯恩斯坦出席，尼古拉斯·納博科夫

和斯特拉文斯基的唱片製作人戈達德·利伯森也在場。該活動是在冷戰高峰時期舉行的，而斯特拉文斯基對他受邀請背後的政治目的不抱幻想。政府知道他打算在那年晚些時候訪問他的祖國，這是1914年以來的第一次。戰爭和革命使他離開祖國近五十年。他的移民國家想搶在蘇聯之前宣稱他屬於自己。在白宮晚宴上，斯特拉文斯基為了更順暢地社交而肆無忌憚地飲酒，顯然他對甘迺迪夫婦很熱情。聚會結束，當總統夫婦向坐在車裡酩酊大醉的作曲家揮手告別時，他轉向妻子維拉說：“他們真是好孩子。”   把美國總統和第一夫人稱為“好孩子”是需要自信的，但是斯特拉文斯基有這個自信。他生於1882年，去世於1971年。與少數文化人物一起——其他藝術

領域的名流包括與他近乎同時代的畢卡索、查理·卓別林、可哥·香奈兒、阿爾弗雷德·希區柯克和路易士·阿姆斯壯——他就是那些定義了20世紀末期文化的與眾不同的人物之一。他成名于20世紀伊始。他漫長的生命歷程深受重大衝突和政治動盪的影響。得益於20世紀的技術，他的音樂傳遍全球。斯特拉文斯基對這個世紀的電影配樂產生了巨大影響，不僅出現在古典音樂廳中，還出現在電影院、搖滾樂場地和爵士俱樂部裡。他的音樂盜竊癖——無論對錯，他畢竟也是推崇“小藝術家借用，大藝術家偷竊”這句格言的幾位人士之一——意味著他的音樂吸收並改變了七十年來的文化趨勢和文化運動，同時又毫無疑問地保持著成功的姿態。   斯特拉文斯基之所以能成

為20世紀的巨人，至少部分是因為在1913年5月——他31歲生日三周前的一個火熱的春天夜晚，他在《春之祭》的巴黎首演中給這個世紀帶來了一個神話般的文化時刻。《春之祭》騷亂式的首演醜聞已成為現代主義民俗學的一部分，並且是有史以來最值得記錄的藝術事件之一。這一時刻不僅屬于斯德拉文斯基。在把它帶到舞臺上的謝爾蓋·佳吉列夫的俄羅斯芭蕾舞團精神的指引下，《春之祭》是“整體藝術”，“一部綜合的藝術作品”：一部由考古學家和畫家尼古拉斯·洛裡奇創造腳本、佈景和服裝，由俄羅斯芭蕾舞團轟動的明星舞蹈演員瓦斯拉夫·尼金斯基新編舞的芭蕾舞劇。芭蕾舞劇順應了巴黎人當時對俄羅斯主義以及想像中的古斯拉夫儀式——一個年輕姑娘

向春天之神祭獻的狂熱。   《春之祭》出現於1913年，只是增加了其神話的力量。對於現代主義來說，那是重要的一年，那時美術、文學和音樂正在與似乎處於混亂和分裂邊緣的世界搏鬥。在這一年，格特魯德·斯泰因將語言拆開，第一次告訴我們“玫瑰是玫瑰是玫瑰是玫瑰”，而馬塞爾·普魯斯特發表了《追憶似水年華》的第一部。這一年立體主義已經5歲了，畢卡索和喬治·布拉克仍在用同時並置的多重視角繼續呈現世界的碎片化狀態。索尼婭·德勞內於1913年創作的繪畫《電子棱鏡》（Electric Prisms）充滿了技術的速度和能量；而在俄國，娜特莉亞·岡察洛娃的射線畫則描繪了被光線碎裂的現實。1913年在紐約軍械庫舉行的國際

現代藝術展標誌著現代主義在美國藝術界展露曙光。馬塞爾·杜尚的《下樓梯的裸女：第二號》（Nude Descending the Staircase, No. 2）引起了最大轟動，一位批評家將其描述為“木材廠大爆炸”。1913年，維也納建築師阿道夫·盧斯首次發表了他的論文《裝飾與罪惡》（Ornament and Crime）——一個殘酷世紀的簡約現代建築宣言。   這也是藝術上充滿異議的時期，《春之祭》的首演並不是第一個在1913年引起軒然大波的音樂表演。3月31日在神聖的維也納金色大廳，一個被稱為“醜聞音樂會”的事件已經發生。勳伯格、貝爾格和韋伯恩的音樂最近都擺脫了傳統調性的束縛，對於聽眾來說，

其作品與過去的斷裂實在太多了。抗議淹沒了樂團的聲音，音樂會不得不停下來。3月9日，在羅馬的孔斯坦齊歌劇院，未來主義團體之一的畫家兼作曲家路易吉·盧梭洛參加了一場新音樂會，最終以保守派和進步派之間的“拳頭和拐杖之戰”而結束。作為回應，盧梭洛出版了一本名為《噪音的藝術》（The Art of Noises）的簡短小冊子，為一種把20世紀的機器、飛機和汽車之聲與樂隊相結合的音樂而辯護。總的來說，這一年，亨利·福特引進了第一條機動裝配線以生產T型車，羅蘭·加洛斯在第一次橫跨地中海的飛行中從法國南部來到了突尼斯。   《春之祭》宣稱自己是一種古老的儀式，但對於許多見證了早期表演的人來說，它也是一幅現代世

界的圖畫，帶有其所有的錯位、喧鬧與恐怖。T. S. 艾略特描述了斯特拉文斯基如何設法將“大草原節奏轉變為汽車喇叭的尖叫聲、機械的哢嗒聲、車輪的摩擦聲、鋼鐵的擊打聲、地鐵的轟鳴聲以及其他現代生活的野蠻叫聲，並把這些令人絕望的聲音轉變成音樂”。《春之祭》被認為不僅描繪了過去和現在，也描繪了將來。這是一年之後第一次全球機械化戰爭的預兆。從讓·科克托到莫德里斯·埃克斯坦的作家們，都把這個年輕女孩的祭祀儀式看作對一代年輕人屠殺的預言。在戰時巴黎，肖像畫家雅克-埃米爾·布蘭奇在戰爭的聲音中聽出了《春之祭》的聲音：“在科學的、化學的‘立體主義’戰爭期間，在空襲讓人恐懼的夜晚，我常常想起《春之祭》。”   儘

管沒有依據讓我們認為斯特拉文斯基或他的合作者們想到了戰爭，然而無法否認，這音樂史無前例地暴力。它可能比迄今為止的任何音樂都喧鬧，有一些段落很難不讓人想起機關槍的突突聲、火炮的隆隆聲和飛彈的嗖嗖聲。自1913年首演的一個多世紀以來，《春之祭》仍然是一部暴力的、神秘的、複雜的、奇跡般的藝術作品，值得每一個用來形容它的誇張詞彙。曾經被認為無法表演的東西已成為管弦樂精品，經常在音樂廳演出。它被編舞，被其他音樂家竊取，比其他任何音樂作品被分析得都多。它仍然具有震撼人心的力量，並且大多知道《春之祭》的人都記得第一次聽它的感覺。在某種程度上，它也是不可知的：我談到的每個音樂家都與我的感受一樣，無論他們聽多少

次，都能從中發現新東西——他們發誓這整段音樂或內部結構之前都沒有出現過。不論是欣賞它還是寫作關於它的故事，都是十分艱巨的事。但是，在寫這本書時，我想起這部作品的第一位編舞尼金斯基在首演前特別困難的時期曾寫信給斯特拉文斯基，提醒我們所有人《春之祭》充滿了美和恐怖，它能給所有人帶來一種直接的、強大的並富有啟發性的藝術體驗：   我知道當一切如我們所願時，《春之祭》將是什麼樣子：嶄新的，並且對普通觀眾來說，是一種震驚的印象和情感體驗。對某些人來說，它將開闢出充滿各種陽光的新視野。人們將看到嶄新而不同的色彩和線條。一切都不一樣，新穎而美麗。

普普藝術應用於電影中女性影像之創作—以女性人物肖像為例

為了解決ornament音樂的問題，作者方小予 這樣論述：

普普藝術源自生活，與普羅大眾的日常生活息息相關，也對群眾的生活產生深刻影響。隨著普普藝術的不斷發展，普普藝術家層出不窮，他們不斷在傳統的基礎上進行突破，風格特異，各有特色。在當代，電影藝術是必不可少的傳媒工具，電影文化在世界各地發展，但多是以男性為主角或男女共同作為主角，很少有專門以女性為主角的作品。在一些以女性為主角的電影中，女性人物形象鮮明，個性突出，人物的特質具有普普藝術風格。基於此，本研究探討品讀了幾位普普藝術家作品，在分析作品的特徵後，將其運用到電影中女性主角人物肖像中，探索普普藝術與肖像之間的聯繫，同時展開實際創作，以壓克力手繪為媒介進行表現，以電影中女主角的肖像作為主要內容，以

普普藝術風格為參考，創作出具有筆者個人創作特質的普普藝術風格的電影女性人物肖像作品。在本次創作中，女性人物肖像主題的作品以鮮明的色彩和新穎的構圖以及與普普藝術風格巧妙融合，展現出獨特的光彩，透過此藝術風格更加彰顯女性頑強自信的特質，本次創作成果為筆者往後更多元化的創作實踐提供良好的基礎。關鍵字：普普藝術，電影藝術，圖像，女性肖像